всё вместе аниме манга колонки интервью отвечает Аня ОнВ
31 заметка с тегом

полный метр

Нужно больше косплееров

Российская кинокомпания «Магнум» приглашает косплееров принять участие в съемках нового художественного фильма Анны Меликян, режиссера картины «Русалка». Нет, серьезно.

Допустим, вы готовили костюм к фестивалю «Луч-7», а тот отменили. Не печальтесь: по вашу душу пришел кинематограф.

Представители компании первым делом заверили «Отаку» в том, что съемочная группа не собирается выставлять анимешников в неприглядных тонах. Будущий фильм называется «Про любовь» и должен выйти в прокат весной 2015 года, снимаются в нём Евгений Цыганов, Рената Литвинова, Алексей Гуськов и другие популярные актеры. Лента состоит из нескольких историй о любви; одна из новелл расскажет о двух влюбленных героях, которые воссоединяются на аниме-фестивале после долгой ссоры, — как раз для этой сцены и необходима косплейная массовка. Принять в ней участие сможет любой косплеер, имеющий возможность в назначенный день (ориентировочно — в сентябре) провести съемочную смену на площадке в Москве, готовый во всём слушаться режиссера и понимающий, что это серьезная работа, куда нельзя опаздывать, приходить с родственниками, друзьями или собаками, не задействованными в фильме.

Если вас утвердят для съемок, нужно будет в назначенное время приехать в указанное место с костюмом и макияжем и провести там не менее 12 часов. При этом надо понимать, что все 12 часов не будут снимать именно вас — иногда придется подождать, пока отснимется сцена с другими актерами. Нюансы:

Потребуется захватить паспорт и подписать соглашение на участие в съемках.
Если вам еще не исполнилось 18 лет, нужно будет иметь при себе разрешение на участие в съемке от родителей (форму такого разрешения организаторы предоставят заранее).
Каждому участнику (и участнице, конечно) гарантируется указание его (ее!) имени в титрах фильма, оплата в размере 500 рублей, а также впечатления и воспоминания о съемке с актерами Марией Шалаевой и Егором Корешковым.

Короче говоря, вы косплеер, у вас есть костюм персонажа аниме, исполнителя джей-рока или аутфит в стиле стрит-фэшн, и вы хотите сниматься в кино. Тогда до 1 сентября присылайте на e-mail Runrein@rambler.ru вашу фотографию в косплее, обязательно указав в письме:

  1. Ваши ФИО
  2. Ваш возраст
  3. Источник и имя персонажа вашего косплея

Видите, как всё просто. ■

 1   2014   Анна Меликян   анонсы   кино   полный метр

Остров Джованни

Картина о судьбах курильских японцев получила приз жюри 38-го смотра анимации в Анси, вошла в программу Московского международного кинофестиваля, 29 августа закроет сахалинский фестиваль «Край света», а осенью, возможно, доберется до других городов России в рамках Большого фестиваля мультфильмов. Специально для «Отаку» Николай Караев написал о том, почему «Остров Джованни» — замечательное кино, а Валерий Корнеев поговорил с Полиной Ильюшенко, озвучившей в фильме пионерку Таню.

Режиссер Мидзухо Нисикубо уверен: наш мир каждый день спасают люди, похожие на Дзюмпэя и Таню.

Лето 1945 года. Император Хирохито объявляет о поражении своей страны. Японский остров Сикотан становится в ходе Курильской десантной операции советским Шикотаном. Братья Дзюмпэй и Канта наблюдают за приходом солдат-росскэ и знакомятся с девочкой Таней, дочерью командира советского гарнизона. Отца Дзюмпэя арестовывают и увозят с острова. Влюбленный в Таню мальчик уверен, что отца арестовали из-за нее, между тем шикотанских японцев транспортируют на Сахалин…

Сразу оговорюсь: я не могу быть объективным в отношении «Острова Джованни», потому что участвовал в работе над ним как переводчик — студия Production I.G. попросила перевести на русский реплики советских героев. И я чертовски рад, что стал причастным к этому кино. Оно, как ни крути, отличное — хотя бы потому, что, свыкнувшись со стереотипными росскэ в зарубежной кинопродукции, ничего особенного от аниме про пресловутые «северные территории» не ждешь. И не-ожидания твои, к счастью, не оправдываются: фильм оказывается не плоско-политическим, а совсем наоборот. В будущем «Остров Джованни», я уверен, встанет в один ряд с «Могилой светлячков» и «Босоногим Гэном», которые тоже не упрекнешь в политизации.

Впрочем, без политической реальности «Острова Джованни» не было бы, пусть она и подается через восприятие ребенка. Нам не показывают, допустим, как Рузвельт уговаривает Сталина атаковать Японскую империю через три месяца после победы над Третьим рейхом, а генералиссимус просит взамен несколько островов. Вообще, вся Вторая мировая война в сознании Дзюмпэя закономерно сводится к нескольким вещам: невнятная речь императора по радио (по сути, на иностранном языке — в знаменитом «обращении драгоценного голоса» Хирохито вещал на классическом японском, который шикотанские рыбаки не понимают); вернувшийся с фронта пронырливый дядя Хидэо, мигом переквалифицировавшийся в контрабандиста; японский гарнизон острова, сдавшийся советским солдатам. «Закономерно», потому что дети не отвечают за отцов и дедов, да и отцы и деды — рыбак Гэндзо, глава пожарной части поселка Тацуо, тот же Хидэо — отвечать за японскую военщину никак не могут. Точно так же советская аннексия, ломающая жизнь Дзюмпэя (его отца арестуют за то, что он утаил оставшийся после сдачи гарнизона запас риса, чтобы накормить жителей острова), — это данность, с которой дети и взрослые с обеих сторон бороться бессильны.

Правда, можно преодолеть ее, обойти уровнем выше, там, докуда политика не достает. В «Острове Джованни» есть удивительная сцена: сельскую школу, где учится Дзюмпэй, делят пополам, вторую половину отдают советским детям, и в какой-то момент оба класса поют свои песни, стараясь перекричать друг друга. Японцы затягивают «Акатомбо», детскую «Красную стрекозу», советские — куда более взрослую «Расцветали яблони и груши…». Кажется, что это — отсылка к ключевой сцене в «Касабланке», где нацистские офицеры поют «Стражу на Рейне», а французы ударно отвечают им «Марсельезой». Однако параллель это или кажущаяся, или намеренно ложная: наступает день, когда японцы начинают подпевать «Катюше», после чего — неожиданно для всех, и для героев, и для зрителя, — происходит маленькое чудо.

Персонажи изображены нарочито просто, даже лишены теней. Визуальная формула картины — лаконичный рисунок героев, тонкий подбор цвета, живописные фоны плюс умело поставленная анимация.

На этом уровне — выше политики — всё меряется совсем другим мерилом. Тут нет политически правых и виноватых: советские солдаты исполняют свой долг так же, как исполняли его солдаты японские. Японцы, разумеется, боятся росскэ, которые, по слухам, голыми руками убивают медведей, и когда в школьный класс врываются автоматчики, учительница Савако решает показать им самурайский дух — свой и учеников: на окрики «выйти из класса» она отвечает, что, мол, идет урок, не мешайте тут. И Дзюмпэя вызывают к доске, чтобы он написал, сколько будет ноль целых пять десятых плюс одна вторая. Тут в класс входит советский командир, огромный, звероподобный. Все замирают в молчании. Сапоги росскэ сотрясают хлипкую школу; он подходит к доске — и… пишет правильный ответ. А потом передает Дзюмпэю мел: «Возьми, малыш». И ведь понятно, что «Остров Джованни» создавался до событий на Украине, но слова «вежливые люди» приходят на ум сами собой.

Подобных примеров в фильме множество. Русские все разные: одни врываются в дома, требуя «ценности» (ну так и дядя Хидэо мародерствует вовсю — правда, с благими намерениями), другие зовут на угощение. Человечность можно проявить и в самых неблагоприятных для нее условиях. Люди чаще всего не звери; демонизировать не стоит и тех, кого ты считаешь врагом. Даже когда кажется, что перед нами явное зверство (как в эпизоде на корабле, когда матрос отнимает у японки младенца), происходящему находится вполне человеческое объяснение. Более того, в аниме есть очень сильная, если смотреть глазами японцев, сцена с кореянкой. Судя по всему, она — одна из полутора сотен тысяч корейцев, насильно привезенных японцами в годы войны на Карафуто (Сахалин) в качестве рабсилы. Этих людей постигла худшая по сравнению с японцами судьба: за японскими гражданами бывшая империя прислала корабли, а корейцев на родину так никто и не вывез (отчасти из-за нежелания СССР рушить инфраструктуру острова). Так вот, кореянка, повариха в сахалинском лагере, спасает японцев от верной смерти — и помогает им, хотя политическая ненависть могла бы оказаться сильней. Но не оказывается. Люди — не звери. Кроме, быть может, политиков, но их в этом фильме, слава японским богам, не показывают.

Наличие консультантов свело к минимуму клюкву и языковые ляпы. Странновато смотрятся лишь некоторые вывески в Холмске, да еще пустыня Гоби на Танином глобусе почему-то превратилась в «Пусты Гнояби».

Есть в «Острове Джованни» и третья реальность, самая реальная, хотя и самая волшебная. Собственно, почему остров Джованни, а не Дзюмпэя? Потому что так зовут героя сказки «Ночь на Галактической железной дороге» (в русском переводе — «Ночь в поезде на Серебряной реке») поэта Кэндзи Миядзавы, и это любимая книга Тацуо, который даже сыновей назвал Дзюмпэем и Кантой, чтобы было похоже на Джованни и Кампанеллу. Эпиграф взят оттуда же:

— Но что такое настоящее счастье? — спросил Джованни.
— Не знаю, — рассеянно ответил Кампанелла.
— Нам надо приободриться, — сказал Джованни и глубоко вздохнул, будто свежие силы забурлили в его груди.

Дзюмпэй с братом живут в сказочной реальности Миядзавы: рыбацкая изба в их воображении превращается в вагон галактического поезда, несущегося на всех парах к станции «Лебедь», и вдоль игрушечной железной дороги, ставшей для Тани и Дзюмпэя своего рода проводником дружбы, течет та самая Серебряная река (буквальный перевод слова гинга, 銀河, означающее и Млечный путь, и «галактику» вообще): «Она была прозрачнее стекла, прозрачнее водорода; возможно, то был обман зрения, но на ее поверхности порой пробегали маленькие фиолетовые волны, и она вспыхивала всеми цветами радуги. На всей равнине стояли то тут, то там красиво фосфоресцирующие вышки…» Вся эта неземная красота, резко контрастирующая с северными серыми шикотанско-сахалинскими пейзажами, визуализована в «Острове Джованни» столь ослепительно, что аниме это может считаться отчасти и экранизацией повести Миядзавы — второй после ленты Гисабуро Сугии. Только, конечно, хорошие сказки отличаются от плохих тем, что в них герои тоже умирают. Те, кому сюжет «Ночи на Галактической железной дороге» знаком, вспомнят и о судьбе Кампанеллы, и о подвиге Скорпиона. Реальности переплетаются странно, даже жутко: красный огонь Скорпиона, который «продолжал гореть бесшумно и ослепительно ярко», — это огненные прожекторы советского военного корабля, куда увозят отца Дзюмпэя…

Самое интересное, что в основу фильма положена реальная — и вряд ли сильно приукрашенная — история шикотанского мальчика Хироси Токуно, которому в 1945 году было 11 лет. Светловолосая голубоглазая красавица Таня в самом деле жила на этой земле — как и ее гостеприимная мать, и добрый отец-командир. Токуно, ныне почтенный старец, до сих пор дважды в год ездит на Шикотан, где у него много друзей среди тех самых росскэ. Люди могут не враждовать, даже если «ребята, что сидят наверху» этого хотят. Всё зависит от выбора — и, в конце концов, есть чувства посильнее вражды, недаром главной песней фильма становится романс «Дорогой длинною» (вот эта версия): «В даль родную разными путями / нам отныне ехать суждено…» — вот что куда важнее всех войн на свете. Расставание и смерть; расставание как смерть — и смерть как расставание. Дорогой длинною, погодой лунною летит вдоль Серебряной реки удивительный поезд, и на каждом его вагоне светятся иероглифы: то ли «Ностальгия», то ли «Надежда».

«Остров Джованни» вышел удивительно вовремя, и не только потому, что это, по сути, оборотная сторона аниме Хаяо Миядзаки «Ветер крепчает», точно так же завязанного на Вторую мировую с точки зрения проигравших — и точно так же не оставляющего хорошим людям в предложенных условиях почти ничего, кроме мечты. Еще удивительнее пересечения «Острова Джованни» с событиями в Крыму и на Украине. Есть что-то из высшей, кэндзи-миядзавовской реальности в том, что фильм Мидзухо Нисикубо выходит ровно тогда, когда после каждого выпуска новостей хочется выть.

Но только выть — нельзя. Надо быть, как Таня и Дзюмпэй. Надо петь. —НК

Полина Ильюшенко
15-летняя артистка театра и кино, вокалистка, актриса озвучения (русский голос Чайны Паркс из диснеевского сериала «Высший класс», кроме прочего). Сейчас Полина живет, что называется, на две страны: учится в Германии и работает в России. В фильме «Остров Джованни» озвучила советскую школьницу Таню.

— Как вы попали в этот проект?

— Меня просто позвали на очередной кастинг, сказали, что будет толковый фильм. Я специально приезжала из Германии, оказалось — не зря!

— Расскажите, как вас готовили к записи, знакомили с вашей героиней?

— Реплики других героев записывались параллельно с моими. Один из японцев очень хорошо говорил по-английски, мы с ним много общались, обсуждали Таню, какая она на самом деле, как выглядит, что любит, что у нее вообще за история. Мы разбирали даже мелочи: что она чувствует буквально во время каждой фразы, каждого вздоха, каждого движения и поворота. Всё детально, чтобы добиться безупречного результата. Работа над Таней была самая сложная, но она дала мне море опыта. Теперь я стала глубже видеть и воспринимать персонажей.

— Господин Нисикубо очень доволен тем, как вы справились со своей ролью. Озвучением в Москве руководил российский режиссер дубляжа, или всё полностью контролировали японцы? Сколько времени заняла запись?

— Всё было напрямую, режиссер фильма всегда был рядом, не отлучался ни на минуту, комментировал, его помощник переводил мне по-английски, мы быстро нашли общий язык. Огромную работу проделала Женя Давидюк, которая приехала с группой из Токио, она идеально знает японский. Боже мой, мне кажется, [иностранцу] невозможно так хорошо говорить по-японски… Она объясняла важные нюансы, которые помощник режиссера не мог перевести даже на английский. Запись длилась ровно три дня, но за эти дня мы очень подружились со всеми. Были прогулки по ГУМу, ужин в московской столовой (именно в столовой, видимо, чтобы почувствовать колорит нашей великой страны), «Чайхона» и многое другое. До сих пор переписываемся в фейсбуке!

— Когда шло озвучение, реплики японских артистов уже были на месте, или российская группа работала без оглядки на них?

— Вроде бы, японский звук уже был. Артисты работали с ним, насколько помню. Реплики Тани были начерно записаны в Токио Женей.

— Запомнился какой-нибудь особенный рабочий момент?

— Песни! О, это было что-то! Писали всего три песни, но достаточно долго, и сам процесс… Просто не передать словами! Это было жутко смешно, они не очень понимали, почему я именно так пою, исправляли русские ударения иногда, просили «не петь красиво»… Особенно долго учила песню на японском языке про стрекозу, «Акатомбо» или как-то так. Мне вся делегация японская объясняла, как слова произносить, куда ударения ставить, где вздох, где пауза… До сих пор это снится, и после записи месяца два напевала ее всегда и везде… Вообще, запомнилась вся творческая группа — превосходные, добрые и открытые люди! В конце вручила им всем наши русские матрешки. Пусть не забывают! После работы вместе ходили в рестораны, один из японцев постоянно снимал на камеру, чтобы смонтировать в дальнейшем фильм о фильме. Незабываемо!

— А вы следите за японской анимацией? Может быть, есть любимые фильмы?

— К сожалению, смотрела только «Унесенные призраками» — классика, по-моему, супер фильм! Но так чтобы специально следила за японской анимацией, такого нет.

— «Остров Джованни» сейчас прошел на ММКФ и, если всё будет хорошо, пополнит программу Большого фестиваля мультфильмов. Что вы хотели бы сказать зрителям?

— Знаете, фильм очень трогательный. Со смыслом, и очень глубоким. Я не буду много писать, вы всё увидите сами. Но самое главное — умейте прощать, даже если порой кажется, что вы правы, а другой человек виноват — лучше простить его. Жизнь не стоит на месте, она бежит, не оглядывается, время беспощадно, а люди не вечны. Лучше простить друг друга, чем жалеть всю жизнь. Это очень больно, когда уже поздно, уже невозможно. Очень больно, когда понимаешь, что никогда не увидишь человека, что мог просто простить его, но был недостаточно умен, а только уверен именно в своей правоте. Больно, когда ты мог быть рядом, но не был. Умейте прощать. ■

Giovanni’s Island, полнометражный фильм, 102 минуты, 2014 г. Режиссер Мидзухо Нисикубо, производство Production I.G. Премьера в России на 36-м ММКФ.
 5   2014   Production I.G   аниме   ВК   интервью   НК   Остров Джованни   полный метр   рецензии

«Если японцы решат продолжать, я поддержу». Аниматор Михаил Тумеля — о работе над новым «Чебурашкой»

Предпремьерный показ нового российско-японско-корейского мультфильма о Чебурашке прошел в начале мая на аниме-фестивале в Воронеже. Картину представлял ее художник-постановщик Михаил Тумеля. Сегодня, когда фильм добрался до российских кинотеатров, «Отаку» публикует текстовую запись этого выступления.

Крокодил Гена и Чебурашка обрели новую знакомую в лице начинающей циркачки Маши.
Михаил Тумеля
51 год. Белорусский художник-мультипликатор, режиссер, преподаватель. Имеет опыт работы над проектами на студиях в Портленде (США) и Сеуле (Корея). Автор фильмов («Песнь о Вольфганге Неустрашимом…», «Белорусские поговорки» и др.), рекламных роликов и заставок. Призер международных фестивалей.

Ведущий вечера:
— Михаил в год, когда я только родился, 1978-й, стал профессионально заниматься анимацией. Он еще школьником в мультцехе «Беларусьфильма» начал свою творческую карьеру. Потом, правда, закончил школу, отучился на архитектора, дальше вернулся на «Беларусьфильм», после — работал на студии «Пилот» и на множестве других известных и неизвестных студий мира. Новый «Чебурашка» — его далеко не последняя по значению и по времени работа, но я очень надеюсь, что вы оценили ее по достоинству. Теперь слово самому Михаилу, он немножечко расскажет о самом фильме, а после этого у нас будет сессия вопросов и ответов.

(Аплодисменты, на сцену поднимается М. Тумеля.)

— Большое спасибо за внимание. Судя по реакции зала на фильм… Я рад, что в картине есть места, где зритель смеется и аплодирует, это очень приятно слышать. Работа была долгой, достаточно непростой, в ней участвовали японцы, корейцы, русские, белорусы. Фильм пришел на наши экраны в том виде, в котором даже не все участники творческой группы его видели, а у вас такая возможность появилась, и мне очень приятно было оказаться в этом зале.

Проект «Чебурашка» для меня формально начался в 2006 году, но раньше уже были подходы к персонажу. Вы видели в титрах имя Михаила Алдашина, известного российского аниматора, в нашем фильме он является автором сценария — так вот, Миша задумал эту историю с Чебурашкой еще в далеком 2002 или 2003 году. Тогда студия «Пилот» собиралась делать полнометражный фильм о приключениях Гены и Чебурашки, причем уже был написан сценарий и даже собралась команда, фильм собирались делать в трехмерной анимации. Уже даже начали там моделлить персонажей. Я привез сюда небольшой фрагментик и, прежде чем рассказывать об новом «Чебурашке», хотел показать его. Этот фрагмент практически никто не видел, он был такой, для служебного пользования… К сожалению, там история с продюсерами американскими была достаточно запутанной и печальной, проект в 2003 году закрылся. Пришлось команду распустить, и временно Чебурашка, Гена и все другие герои, ну, скажем, заснули. Непонятно было, появится продолжение или нет. Если можно, я бы вывел на экран этот фрагмент демо, чтобы вы посмотрели. По-моему, тут нельзя вывести звук, там была подложена музыка. Давайте посмотрим, как в эпоху немого кино.

Идет демонстрация: трехмерная, довольно детализированная CG-модель Чебурашки робко и славно гримасничает. В зале смех, аплодисменты, слышен возглас «ми-ми-ми!»

Как всегда в анимации, была сложная работа — сделать модели, потом понять, что может персонаж, чего не может. Вы сами понимаете, что в трехмерной анимации возможности работы с куклой побольше и по гибкости, и по всему, но чтобы этим заниматься, надо было всё четко проверить. Гена не так хорошо отрендерен, его модель до ума не довели, но это просто возможности… Конечно, выглядит как кастинг, но это попытка вставить персонажей в среду — там был смоделирован дворик, живут они в старом московском особнячке. Тест длинный, думаю, можно пока прекратить демонстрацию. (Аплодисменты.)

И, собственно, после долгого перерыва — с 2003 по 2006 год — вдруг на горизонте появились японские продюсеры. Фудзивара-сан, Оимото-сан, которые почему-то были одержимы идеей дать вторую жизнь Чебурашке и его друзьям. Они обратились к Алдашину, Миша обратился ко мне, поскольку у меня был опыт съемок кукольной анимации. Нас вызвали на переговоры в Корею, потому что в основном, как вы заметили по фамилиям, аниматоры, конечно, корейские. То есть там такая студия Ffango, молодая, динамичная, они тоже с энтузиазмом взялись за этот заказ, и вот к нашему приезду они уже подготовили первые декорации, модели кукол, всё было уже серьезно.

Когда обсуждался сценарий — а сценарий, сразу скажу, написал японец, вот этот режиссер Макото Накамура, — но, поскольку он не очень хорошо представлял себе реалии той нашей жизни (оригинальный фильм-то сделан в 1969 году), там были вещи, которые Роман Качанов, наверное, никак бы не воспринял. Например, по замыслу Накамуры, директор цирка должен был влюбиться в девочку Машу, приглашать ее в ресторан… (Смех, аплодисменты.) Поэтому вмешался Миша Алдашин, сценарий был серьезно переработан.

М. Тумеля и М. Алдашин с 1988 года ведут что-то вроде персональных рабочих дневников в виде огромных тетрадей с рисунками. Чебурашка попал в двенадцатую по счету тетрадь Тумели.

Как водится, сценарий сценарием, а дальше начинался уже так называемый подготовительный период. Японцы и корейцы полностью пересняли первую серию, «Крокодил Гена», которую вы все прекрасно помните, а ни японский, ни предполагаемый западный зритель, естественно, никого и ничего из этой серии не знал. Надо было всё равно показывать, как герои познакомились, что за персонажи, как всех зовут. Поэтому и было принято решение полностью переснять первую серию в HD. То есть вы понимаете, что фильм-оригинал снимался на пленку в 1969 году — как ни реставрируй негатив, во-первых, всё равно соотношение кадра будет 4×3, и оно не будет HD, поэтому корейские старательные люди, бутафоры и художники, пока мы готовили материал для следующих серий, просто скопировали и декорации, и полностью всех, кто участвовал в первой серии — и льва Чандра, и Тобика, Гену и Чебурашку, всех воспроизвели с высочайшей возможной точностью, как вы сейчас видели на экране. На наш взгляд всё даже немножко слишком аккуратно: если посмотреть первые серии советские, там, конечно, и дощечки на ящиках не так обструганы, и прочее. Тут уж от корейцев трудно было требовать нашей… легкости отношения к предметам.

Перед нами стояла задача придумать облик новых персонажей. Первое — это эскизы. Кроме уже знакомых героев дальше начали появляться Маша, директор цирка, фокусник — все, кто должны были быть по новому сценарию, всех их надо было придумать, нарисовать. Причем тогда ставились достаточно жесткие сроки, нас была команда всего из трех человек (Алдашин, я и Аня Емельянова из Минска), и вот мы должны были за месяц выдать 33 персонажа, практически по персонажу в день. Мы прямо как на космическом корабле сидели у Алдашина, связывались с Минском…

Все эти герои, прежде чем стать куклой, должны быть придуманы, какая-то конструктивная схема должна быть в них заложена, чтобы потом мастера-кукольники могли перевести их в материал. Накладные, допустим, на магнитах рты для мимики, такого рода вещи. Это ко всем героям относилось, основным и второстепенным. Масштаб и соотношение пропорций отмеряли по самому маленькому: сверялись относительно роста Чебурашки. Мы не сидели в Корее, в этом смысле хвала интернету: основная группа сидела в Минске, потом уже эскизы в Москве доделывали и выкладывали на FTP, там корректировали. Поэтому должна была быть еще четкая нумерация, какой персонаж, как называется, под каким номером, потому что вопрос коммуникаций на международных проектах стоит достаточно серьезно. Одни переговоры я помню, когда собрались мы, корейцы и японцы, и там пошел перевод сначала с японского на корейский, с корейского на русский, с русского на японский. Тройные переводы — отдельная песня, конечно. В общем, это что касается персонажей. Чтобы их изготовить, нужны как минимум три проекции, а еще желательно всякие виды в три четверти и прочее. Насколько они соответствуют эскизам, вы могли увидеть в фильме.

Даже пресса в привокзальном киоске соответствует духу эпохи. Без помощи российских и белорусских художников добиться такой точности передачи реалий советских 1960-х вряд ли бы удалось.

Кроме героев, надо было сделать декорации. С одной стороны, перед нами задача стояла простая, потому что весь дизайн уже был придуман Леонидом Ароновичем Шварцманом в старых фильмах, и большая часть домиков были воспроизведены из первых серий. Но, естественно, появились новые места вроде набережной, где Гена ловит рыбу, или цирковой площади, где надо было все объекты придумать, нарисовать, представить, как они будут действовать в этой среде, как декорации будут выглядеть снаружи, изнутри. Например, Алдашин занимался цирком снаружи, а мне, как бывшему архитектору, досталась вся начинка, интерьеры.

Тут надо понимать, что для корейцев, изготовлявших весь этот наш материальный мир, который мы знаем с детства (многие, конечно, не жили в 69-м году, но, по крайней мере, по фильмам, по картинам с ним знакомы), всё это было темным лесом. На каждую мелочь — табличку, книжку, вывеску — приходилось делать специальные эскизы, чтобы избежать ошибок. Всё приходилось вычерчивать и отсылать, корейские художники этого не могли придумать, это была задача нашей концепт-группы под контролем Миши Алдашина, он на том этапе был ведущий художник-постановщик. Любая мелочь — кусты, деревья, всё должно быть в стиле, всё должно вписываться, становиться в декорацию, всем должно быть понятно, как это устроено. В отличие от фонов, где ничего не движется, есть еще объекты вроде автобусов, машин, удочка Гены. Мне радостно было, что заметили, что на рыбалке Гена читает книжку Басё, там как раз цитата про лягушку и стрекозу взята — мы решили, чтобы эта книжка тоже как-то прозвучала. Автобус мы взяли за прототип тот, что появляется в старом фильме «Потерялась внучка», Шварцман и Качанов делали его еще до «Чебурашки». Велосипеды, мотороллеры, почтовая сумка, даже яблоки (японцы решили, что они будут красными, наши желтые их почему-то не удовлетворили) — всё это нужно было проработать. Такие обязанности входят в профессию людей, которые подготавливают фильм, и естественно, было приятно, что работают профессионалы, мы говорим с ними на одном творческом языке, они всё делали очень хорошо.

Переведенные на корейский язык руководства по созданию декораций.
Склад готовых декораций на студии Ffango.

Кроме того, перед нами стояла задача сделать раскадровку и аниматик. Это существенная часть работы — образы нужно было собирать в эпизоды. Для тех, кто не знает, что такое аниматик: это темповременной эскиз. Рисуется раскадровка, которая при помощи монтажной программы собирается в такой, можно сказать, протофильм, где каждый план уже стоит на нужном месте, есть порядок сцен, что за чем идет, как действуют герои. Этот аниматик делал я. (Показывает на экране фрагмент. — Прим. ред.) Он не всегда очень подробный, но в сценах, где есть действие, танцы, цирковое представление, — там чем подробнее распишешь, тем более адекватный результат можно получить в итоге. Надо отдать должное: японский режиссер следовал канве; привносил, конечно, свои элементы как режиссер анимации, но в целом коллектив под его началом воплотил всё достаточно точно. Некоторые сцены вылетели, это естественный процесс.

Михаил демонстрирует сцену из аниматика.

Дальше всё уже было в руках аниматоров-кукловодов студии Ffango. Я особенно переживал за сцену с танцем девочки на проволоке. Мне почему-то по аниматику всегда попадались сцены, где в сценарии написано что-то типа «Маша замечательно станцевала на проволоке» (Смех.) или «…и началось цирковое представление» — естественно, всё это надо было придумать и разложить, как будут действовать герои. Вообще-то это сложный для аниматора момент: мало того, что танцы — это, как правило, высший пилотаж, плюс еще на канате — надо было придумать, за что крепить куклу… Хотя страхи поубавились, когда мы посмотрели на то оборудование, на котором снимали Ffango. У них уже была камера с пошаговым ходом: в нее закладывается программа, и можно снять объект с персонажем, а потом точно так же, по той же траектории, без персонажа, и тогда можно всякие вещи, которыми крепится кукла, вычистить безболезненно при помощи компьютера. Те усилия, которые тратили аниматоры, снимая «Чебурашку» в 1969-м, они уже, конечно, выглядят сверхусилиями, сейчас снимать немножко проще. Я, кстати, думал, что тени будут впечатывать компьютерные, а они выставили хороший свет в реале. А так методы работы примерно такие же, как у нас. Рейсмусы используют, такие штучки с иголочками. Они работали на трех макетах, специально арендовали помещение покрупнее, чтобы одновременно снимать несколько сцен. В общем, я через режиссера передал свою благодарность аниматорам, потому что некоторые сцены прямо исключительно хорошо получились.

Там работала и отличная команда по постпродакшну, обработке отснятого изображения. Если вы обратили внимание, как Чебурашка поливает из лейки, — конечно, в кукольной анимации снять струи воды таким образом безумно сложно, здесь явно компьютерная впечатка, но сделана она очень вежливо и здорово. По процессам, как это делалось, можно рассказывать глубже и дольше, но в основном линейка работы была такая.

Отдельно, конечно, надо упомянеть про озвучение фильма, потому что там работали замечательные российские актеры — и Лариса Брохман, и Владимир Ферапонтов, который еще в том, старом фильме про Чебурашку пел песенку крокодила Гены, а вот сейчас он Гену озвучил. К сожалению, он ушел от нас в 2010 году, и в той серии, где Чебурашка в зоопарке, Гену уже озвучил Гарри Бардин. Саша Гусев как композитор очень тактично подошел к музыке Михаила Зива и Владимира Шаинского, новая музыка очень аккуратно вписана в известную нам по прежним сериям. На мой взгляд, работала профессиональная и преданная делу команда, было приятно. Даже открою небольшой секрет: мне пришлось озвучить здесь клоуна — визгливым голосом, мне потом жаловались японские продюсеры, что при дубляже не могут найти похожего актера, чтобы так же визжал. ПРИВЕТ, МАЛЫШ! ХОЧЕШЬ В ЦИРК? АХХА-ХА-ХА-ХА! (Аплодисменты.)

А если кто не заметил, в эпизоде, когда Гена с Чебурашкой выходят из цирка после представления, за ними из цирковой двери выбегает ёжик из «Ёжика в тумане». Специально сделанная кукла, права купили у Юрия Борисовича, то есть вот такой реверанс у нас там есть.

Видеоклип о ходе работы над новым «Чебурашкой».

(Встреча переходит в режим вопросов и ответов.)

— Планируется ли дальнейшее сотрудничество в этой области с японскими аниматорами?

— Пока конкретных предложений не поступало. У фильма непростая прокатная судьба, и с правами связанная… Точно знаю, что они собирались сделать всеяпонскую премьеру в марте 2011 года, а тут грянула Фукусима, и детей не выпускали на улицу, прокат отчасти был сорван этими событиями. Но если японцы соберутся с финансовыми силами и решат продолжать, я только за, я поддержу. Кстати, как ни странно, та история, что замерла в 2003 году… знаю, что Фудзивара-сан ищет деньги с тем, чтобы она получила продолжение. Там история была написана на полнометражный фильм, с путешествиями по всему миру, герои собирались найти родственников Чебурашки.

— А на какие языки уже переведен фильм, где его показывали? Для иностранного зрителя будет понятно, что действие в России происходит?

— Именно эта версия 2013 года сделана только для России и будет показана только здесь. Насколько мне известно, фильм вполне успешно продается во Франции; думаю, они понимают, что всё в нём связано с Россией. И, как ни странно, в Юго-Восточной Азии — Индонезия, Индия, Вьетнам, Индокитай. Во всяком случае, мне продюсер говорил, что все понимают, что это Россия, иллюзий нет, что это нечто другое.

— А музыка в иноязычных версиях использована та же?

— Да, на каждую версию писать музыку — это была бы непозволительная роскошь. Обычно разведенные треки есть, без голосов, и музыка, естественно, та же самая.

— Вы не знаете, кто озвучивает персонажей в японской версии? Мне кажется, Чебурашке очень подошел бы голос Каны Ханадзавы.

— Японскую версию привозили в Москву на кинофестиваль в 2010 году, там даже приезжала девочка, такая Нодзоми Охаси — маленькая звезда аниме, которая озвучивала детские роли (в частности, она исполняла песенку Поньо из «Рыбки Поньо на утесе» Хаяо Миядзаки. Сейчас девочка отошла от работы в развлекательной индустрии. — Прим. ред.), и Чебурашка говорит ее голосом. Помню, что в реплике «мы строили, строили и наконец построили» она в конце выкрикивает «банзай!» (Смех.)

— Эдуард Успенский указан в титрах. Какую роль он выполнял и участвовал ли в написании сценария?

— Я ни разу с Успенским не встречался и в обсуждениях сценария тоже не участвовал. На мой взгляд, у него здесь роль в достаточной степени представительская. Он автор названия «Чебурашка» и прочих вещей, с ним есть договоренность, его имя внесено в титры. Как я знаю, в основном переговорами с ним занимались Накамура и Алдашин. Может быть, у них были какие-то особые отношения, когда писался сценарий, но я на этот счет ничего не могу сказать.

— Чем российская версия отличается от редакции фильма, вышедшей в прокат в Японии и остальном мире?

— В варианте 2010 года полностью воспроизведена первая качановская часть, «Крокодил Гена», и тогда еще не было истории про Чебурашку в зоопарке. Нынешняя версия, вы видели, начинается с дайджеста о том, как все познакомились — сокращение сделано для того, чтобы не перегружать российского зрителя эпизодами, и так ему хорошо известными. Французская и другие версии, насколько мне известно, повторяют первоначальную японскую. Делать для каждой страны свой отдельный монтаж было бы чересчур расточительно, даже «Дисней» себе такого не позволяет.

— Вы говорите, что у фильма сложная судьба. Если не секрет, он окупился коммерчески?

— Мне кажется, что не очень, но именно как кинопроизведение. Всё-таки у него есть своя специфика: сами понимаете, в основе лежит советский продукт конца шестидесятых, и его динамика… Во многом это такой old-fashioned-фильм, для современных детей он может показаться немножко затянутым. Хотя продюсеры и режиссер Накамура всячески подчеркивали, что целью было воспроизведение качановского духа, стиля фильма в том виде, в каком он существовал в 1969 году. Но там же есть еще всякие сопутствующие товары, мерчандайзинг и прочее — то, что недобралось на киносеансах, в конечном итоге добирается на товарах, игрушках. В этом смысле японцы больше стратеги, чем просто производители кинопроизведений.

— Знаете, меня во время просмотра волновала нестыковка сюжетной линии. В советской версии Чебурашка не умел читать и писать: когда Гена прислал ему письмо, он его не прочитал и встретил его, а здесь говорят, что Чебурашка умел читать. Как же так?

— Нет, даже в советской версии… Мы же помним четыре серии, которые были? Уже существовало противоречие. В первой серии Чебурашка вообще-то умел читать, потому что он явно прочел объявление и отправился к Гене. А в четвертой почему-то Чебурашка идет в школу и по безграмотности путает телеграммы, то есть нестыковка была уже в советское время. Поскольку эта серия в новый фильм не вошла, противоречия нет.

— По поводу актеров озвучки можете чуть подробнее рассказать?

— Шапокляк в советском варианте озвучили два актера: был Владимир Кенигсон, который пел ее песенку, и был Владимир Раутбарт. Естественно, была Клара Румянова, Ливанов как Гена. С Ливановым, насколько мне известно, сейчас не удалось договориться, и у нас озвучивал покойный Ферапонтов — у него Гена получился чуть-чуть мягче и интеллигентнее ливановского. Лариса Брохман, мне кажется, замечательно справилась с ролью Чебурашки. Дима Филимонов исполнил роль Шапокляк достаточно скрипуче, местами противно — каковой она и бывала иногда. Имен других актеров я по памяти не воспроизведу, надо титры смотреть. Тем более, я не присутствовал на озвучении. Единственное — песню про голубой вагон записывал не Ферапонтов и не Ливанов, а это звукорежиссер нашел режиссера-документалиста, у которого голос прямо вот ливановский один в один, тембрально почти неотличим.

— Сами японцы как-то комментировали, почему выбрали именно этот мультик? Ведь столько советских мультфильмов есть не менее интересных. Чем заинтересовал «Чебурашка»?

— Мне продюсер Фудзивара рассказывал, что они перед стартом производства картины даже заказывали социологический опрос, кого этот фильм может заинтересовать. И основную аудиторию, по данным социологов, составили молодые девушки лет 25 — офисные работницы из Токио, у которых маленькие квартиры (немногим больше, чем телефонная будка) и всё такое прочее — это самая массовая группа. А вторыми оказались молодые мамаши лет до 35, угнетенные темпом нынешней жизни — им, оказывается, хочется окунуться в такой чуть старомодный, но в то же время симпатичный теплый домашний мир, который и представляет «Чебурашка». Ну и, естественно, на детей ориентировались, но у детей сейчас так много всяких зрелищ, они более гибкая фракция, и что понравится им завтра, еще не известно.

Степень дотошности авторов блестяще иллюстрирует 118-страничный (!) гид по стилю «Чебурашки», где собраны требования для художников-оформителей, работающих с материалами фильма. Рекламные макеты и российский сайт картины сделаны в соответствии с этими правилами и отдельно утверждались японской стороной.

— У меня такой вопрос. В 2003 году, как вы рассказали, была компьютерная анимация, а версия 2013 года снова кукольная. Почему решено вернуться к куклам?

— Уже существовала студия, которая могла это реализовать. Сейчас же между разными видами анимации процесс такой динамический: одно время, допустим, 3D-анимация была дороже, чем рисованная или кукольная, и меньше специалистов было; сейчас она инструментально, в плане софта развивается активнее, и во многом с ней уже работать попроще. Но надо отдать должное — и кукольная анимация (при том, что обычно все говорят «мы не любим кукольные фильмы» и прочее) в Азии, в Японии, в Корее… Там происходит ренессанс кукольной анимации, идет всё больше студентов, молодых людей. Видимо, всё-таки моделирование на компьютере, для того, чтобы это было таким теплым и пушистым… Можно сделать на компьютере, но обычно это требует больше усилий, больше времени, ухищрений с софтом — много чего. А тут прямо сделал куклу хорошо, хорошо ее высветил, удобные есть приспособления, чтобы ее водить, — и всё на тебя работает, даже гравитация работает на эту куклу.

Современная кукольная анимация порой предпочтительнее, чем 3DCG.

— На финальных титрах показаны сцены, которых не было в самом фильме. Это рабочие моменты?

— Фрагменты в титрах — решение режиссера. Там кусочки ремейка первой серии качановской, не вошедшего в российскую редакцию картины. А если вы про засыпающий город… Я делал его раскадровку и уже на премьере подумал: «ну вот, не пошло никуда, столько работы зря», а потом уже, когда проехали титры, вдруг в конце этот эпизод. Японцы вообще любят такие вещи, у них же никто с началом титров из зала не уходит — смотрят до конца, пока на сцену не выйдет с поклоном сотрудник кинотеатра и не скажет: «фильм закончен, дорогие зрители, большое вам спасибо». Я не был готов к этой японской традиции.

— Что вам приходилось править за южнокорейскими аниматорами? Характерные вещи, которые они чаще всего делали не так?

— Мы сильно не зверствовали, потому что они всё-таки действовали в рамках аниматика, и всё делалось старательно. Хотя один эпизод пришлось отправить на пересъемку: там, если помните, к Чебурашке с фокусником подошел милиционер и спросил, здесь ли дают советы. Так вот, в первой версии он подошел без фуражки. Милиционер в форме, но без фуражки смотрелся как-то диковато, пришлось написать, что они у нас ходят в головных уборах. И корейцы пересняли или, может быть, на компьютере доложили. Но если компьютером, то достаточно чисто, я не заметил там швов.

— Вопрос как раз про милиционера. Не совсем понятно: какая у него сюжетная нагрузка? Он подходит к Шапокляк за советом и больше в истории не фигурирует.

— Вообще-то у меня в раскадровке подходила другая кукла. Почему они решили подойти милиционером… Я бы им не подходил, потому что по игре он должен был вмешаться в этот нелегальный бизнес Шапокляк и, в общем-то, поставить ее на место. Поэтому, когда он так появился, вызвал у меня некоторую оторопь, но мы с Алдашиным уже решили не настаивать, ну пусть будет милиционер. А так это тоже кукла из советского мультфильма, из второй серии. Единственное, его пришлось переодеть в более современную форму, потому что раньше у него были погоны старшины, сапоги. Он чуть-чуть поменялся.

— У меня вопрос насчет авторских прав. Ведь, наверное, были какие-то проблемы с этим? Они же изначально принадлежат студии «Союзмультфильм», эта же студия снимала?

— Нет, там с авторскими правами настолько сложная ситуация… Вы, скорее всего, помните эти скандалы насчет судов Шварцмана, Успенского. Но японцы постарались обойти всех и со всеми разобраться, чтобы противоречий при прокате не возникало. И то, они, по-моему, возникали достаточно долгое время. С «Союзмультфильмом» тоже велись всякие переговоры, японцы получили «добро» на производство и прочее. (Сейчас, к сожалению, конфликт вокруг прав разгорелся в очередной раз, из-за него часть российских кинотеатров предпочла повременить с показами, дожидаясь урегулирования ситуации. — Прим. ред.)

— Михаил, скажите, пожалуйста, об отношении японцев и южнокорейских аниматоров: насколько их пиетет и уважение к оригиналу сочетались с желанием сделать что-то новое, чего зритель еще не видел?

— В версии картины 2010 года, когда идет персонаж и расклеивает объявления, был специальный титр: «Мы очень старались быть близкими к оригиналу фильма 1969 года „Крокодил Гена“» — такой почти манифест. Сколько раз и Накамура, и вся команда пересмотрели тот фильм, чтобы просто сделать из него копию — это уже громадная отдельная работа. Второе — сколько раз они покадрово щелкали, чтобы сделать эскизы кукол, декораций и всего прочего… В этом отношении их работа практически безупречна, у меня, например, по визуальному ряду почти нет нареканий, это делали очень старательные, ответственные и трепетно относящиеся к материалу специалисты. Мои аплодисменты. Когда я с Накамурой встречался, просил передать корейской команде самые наилучшие слова одобрения.

— Огромное спасибо, Михаил! Наше время уже подходит к концу…

— Большое спасибо за внимание. Я надеюсь, что судьба этого фильма в России будет удачной. ■

Cheburashka, полнометражный фильм, 79 минут, 2013 г. Режиссер Макото Накамура, производство Cheburashka Film Partners. В кинотеатрах России с 5 июня 2014 года (прокатчик — компания Reanimedia).

Патэма наоборот

После давней, непонятной, обросшей легендами катастрофы гравитация для части людей и вещей поменяла вектор на противоположный. Многие «перевертыши» погибли, буквально упав в небо, а те, кто каким-то чудом выжил, превратились в изгоев и ушли жить под землю. Эйджи — обычный школьник из тоталитарной Айги; как и его сородичи, он твердо стоит ногами на земле, но мечтает о полете, в то время как законы государства запрещают даже смотреть на небеса. Патэма — принцесса подземелья, жутко любознательная девица, не боящаяся кошмарных людей-нетопырей и мечтающая спуститься (ведь с точки зрения перевертышей Айга лежит у них под ногами) в мир, о котором правила подземных жителей запрещают и думать. Однажды эти двое перевернутых друг относительно друга подростков встретятся, чтобы уже не расставаться. Даже Идзамура, зловещий тиран Айги, не сможет помешать им изменить судьбу разделенного человечества.

Виртуальная кинокамера вытворяет в «Патэме» занятные фокусы; мелькающий в трейлере титр-завлекалка «история, от которой может закружиться голова» — не просто фигура речи.

После очередного ухода Хаяо Миядзаки из большой анимации вовсю идут разговоры о том, кто из молодых аниматоров может — не сейчас, со временем — занять вакантное место анимешного вождя. Макото Синкай? Вполне, особенно если учесть, что его «Ловцы забытых голосов» почтительно выдержаны в миядзаковском каноне. Мамору Хосода? Почему нет: «Девочка, покорившая время», «Летние войны» и «Волчьи дети Амэ и Юки» — отличные аниме, снятые с чувством, с толком, с расстановкой; в последнем фильме, опять-таки, ощущаются обертоны студии Ghibli. Ясухиро Ёсиура?..

Уже ранние короткометражки Ёсиуры «Язык воды» и «Бледный кокон» обещали многое. С одной стороны, они были совершенно разные — и по атмосфере, и по подаче, и по сюжету, — что всегда обнадеживает больше, чем однородное, пусть и гениальное творчество людей, прекративших развиваться до того, как начали творить. С другой, у парадоксальной и мрачной истории о мире, дешифрующем собственное прошлое, и не менее парадоксальной, но куда более веселой истории, складывающейся из трех диалогов в баре будущего, всё-таки имелось нечто общее — некий почерк мастера, какой-то нехилый анимешный дзэн, в финале пробиравший до кости. Этот типично ёсиуровский дзэн ощущался и в фильме, ставшем для режиссера пропуском в большое кино, — во «Времени Евы», начинавшемся как 6-серийное онлайн-аниме и позднее смонтированном в 100-минутную киноленту. Сюжет там был куда более приземленным и усложненным, нежели в коротком метре, — и, казалось бы, что нового можно снять о роботах, которые внешне не отличимы от человека и прислуживают ему? Еще как можно, если вас зовут Ясухиро Ёсиура, и вы неравнодушны к каждому кадру своих картин.

Российским кинотеатрам предлагаются дублированная и субтитрированная версии фильма, почти все выбирают дубляж. Патэме с русским голосом повезло — 17-летняя Анастасия Кондратьева превосходно справилась со своей ролью.

«Патэма наоборот» — следующий шаг: фантастическое, умное и доброе (по всем трем пунктам Ёсиура верен себе), где-то очень миядзаковское кино о том, что такое любовь. Правда, здесь нет роботов, зато есть далекое будущее и парадоксальные повороты сюжета. Во «Времени Евы» Ёсиура заставлял зрителя смотреть на мир глазами то человека, то робота, чтобы дать прочувствовать обе точки зрения. «Патэма» благодаря исходной посылке — существование людей с разнонаправленной гравитацией — достигает того же стереоскопического эффекта наглядно: если перевернуться на 180 градусов, встать на голову, увидеть реальность вверх тормашками — каким будет этот мир? Что для Патэмы верх, для Эйджи низ, и наоборот; что для него манящее небо, то для нее — гибельная бездна. Иначе говоря, ни одна отдельно взятая картина мира не является правдивой. Истина существует лишь там, где два представления о мире, два человека смыкаются, — в спасительных объятиях.

Ёсиуре не повезло лишь в одном: идея «Патэмы наоборот» почти одновременно осенила аргентинца Хуана Соланаса, снявшего в 2012 году фильм Upside Down («Наоборот», в российском прокате — отчего-то «Параллельные миры») о планетах, подвешенных одна напротив другой, так что их обитатели являются антиподами. Впрочем, может быть, наоборот: Ёсиуре и аниме в целом тут крупно повезло. Фильм Соланаса мил (спасибо Кирстен Данст), но потрясающе банален и перенасыщен маскирующимся под идеи мусором. Тут и розовые пчелы, переносящие гравитацию, и идиотический физический закон, по которому через пару часов контакта с материей другого мира предмет сгорает (отчего не взрываются неправильные гамбургеры внутри героев?), и борьба с большим бизнесом. Ничего подобного у Ёсиуры, слава японскому богу, нет. При сходстве фантастических допущений концепции разнятся абсолютно. Герои Соланаса бьются с корпорацией, и победа их — это счастье (двойня в животе) плюс богатство (патент на волшебный крем в кармане). У Ёсиуры всё по-японски правильнее: если уж бороться, то с миропорядком, с массовым искажением восприятия, если уж побеждать, то самих себя — свой страх, свою нерешительность, свой эгоизм. И бояться в «Патэме» есть чего: попробуйте только представить, каково это — падать в бездонные небеса. В картине Соланаса неба просто нет — только два мира, зачем-то пристегнутые друг к другу. Немудрено, что «Параллельные миры» провалились в прокате и уже забыты как недоразумение.

Что до «Патэмы», она точно останется в истории как одно из лучших аниме своего времени. Особенно повезло фильму в российском прокате, который начинается при очередном политическом катаклизме, грозящем превратить часть людей в антиподов. «Патэма наоборот» дает единственно возможный рецепт выживания. Ведь что такое любовь по Ясухиро Ёсиуре? Это доверие к ближнему, как бы сильно он от тебя ни отличался, — такое, что когда двое держат друг друга, никто не боится упасть в разверстое небо. —НК

Sakasama no Patema, полнометражный фильм, 99 минут, 2013 г. Режиссер Ясухиро Ёсиура, производство Studio Rikka. В кинотеатрах России с 27 марта 2014 г. (прокатчик — компания Reanimedia).
 6   2014   аниме   НК   Патэма наоборот   полный метр   рецензии   Ясухиро Ёсиура

«Я понимал — идеи витают в воздухе, и скоро это может прийти в голову кому-нибудь еще». Ясухиро Ёсиура — о параллельных мирах, силе притяжения и желании упасть в небо

Японская анимационная отрасль позволяет одаренным авторам быстро продвинуться из независимых одиночек в «настоящие» режиссеры — были бы желание и талант. Но за последние 10—15 лет этот путь преодолели только двое: воспевший романтику повседневности Макото Синкай и мастер камерной гуманистической фантастики Ясухиро Ёсиура. Это не значит, что в Японии перевелись целеустремленные самоучки, просто большинству из них (как, например, молодой звезде инди-аниме Хироясу Исиде) комфортнее работать с малой мультипликационной формой, чем в крупных кинотеатральных проектах, где состав творческой группы идет на десятки человек. Тем радостнее и за Синкая, и — теперь уже — за Ёсиуру, выдержавших испытание ростом. «Отаку» публикует интервью режиссера, чей полнометражный фильм «Патэма наоборот» выйдет в российский прокат 27 марта.

Первыми с Патэмой познакомились пользователи сервиса Nicovideo, где демонстрировался пролог картины.

Ясухиро Ёсиура
33 года. Художник, аниматор, сценарист, режиссер, основатель студии Rikka. Выпускник факультета дизайна Университета Кюсю, короткометражную анимацию рисует с 2000 года. Примечательные работы — «Бледный кокон» (2006) и «Время Евы» (2009). Для фильма «Евангелион 2.0» (2009) спроектировал одну из локаций, аквариумный комплекс. С 2011 года был занят над собственным кинопроектом «Патэма наоборот». Лауреат более чем десятка отраслевых премий, среди которых приз 14-го конкурса DoGA CG Anime (2002), премия «За выдающееся аниме» на Токийской международной анимационной ярмарке (2003) и приз фестиваля Sapporo Short Fest (2006) за лучший сценарий.

— У вас в фильме всевозможные силы тянут главных героев в разные стороны, пытаются эту пару разъять, изолировать друг от друга. Откуда такая центральная идея?

— Откуда-то из детства — я много думал о таком. Разглядывал небо и представлял себе, что смотрю вниз, на море облаков. У нас в Японии есть выражение «падаю в небо» (вместо «почва уходит из-под ног» — прим. ред.) — именно это я и воображал, добиваясь ощущения, будто и в самом деле проваливаюсь в небеса.

— Не так давно вышла пара фильмов, задуманных похожим образом, тоже о соприкасающихся, но вместе тем разделенных мирах — «Элизиум: Рай не на земле» и «Параллельные миры». Почему, на ваш взгляд, концепция симбиоза запретных территорий так привлекает сегодня кинематографистов?

— Честно говоря, я был поражен, когда впервые услышал об этих проектах! Их снимали, когда работа над «Патэмой» уже шла — но посмотреть их я тогда, естественно, не мог. В самом начале, когда меня посетила идея «Патэмы», мне казалось, что в природе не существует ничего даже отдаленно похожего, но я понимал — идеи витают в воздухе, и скоро это может прийти в голову кому-нибудь еще. Чувствовал, что надо спешить с запуском!
Изначальная задумка была такой: однажды мир переворачивается, спастись удается лишь тем, кого катаклизм застал внутри зданий. И вот эти люди пытаются как-то адаптироваться, выжить в новых условиях. Но ключевой темой был не просто перевернутый мир — всё должно было вертеться вокруг девочки, героини из верхнего мира.

На большом экране особенно впечатляет операторская игра с высотами.

— Крепко схватившиеся друг за друга дети, которые зависли в пустоте между небом и землей — сильный визуальный образ, развитый в самом фильме. Вы начали с этой иллюстрации и выстраивали историю вокруг нее?

— Сначала я планировал снимать что-то вроде фильма-катастрофы с трансформирующимся на глазах миром, показать борьбу его обитателей за жизнь. Но такой подход требовал бюджета голливудских пропорций, поэтому я решил сфокусировать внимание на одном действующем лице, на главной героине. Тогда и появился набросок, который лег в основу постера фильма. Это история любви; персонажи в буквальном смысле должны держаться друг за друга, чтобы выжить.

— Кажется, «Патэма наоборот» создавалась для широкой аудитории. Вы ориентировались не только на поклонников аниме, правда?

— Конечно, мне хотелось, чтобы фильм понравился семьям, влюбленным парам, не только анимешникам. Образы героев, цветовое решение — всё придумывалось с мыслью о массовом зрителе. Допустим, люди отправились в кино на какой-то другой фильм, но билетов не хватило, а тут на глаза им попадается флаер «Патэмы» — я просто обязан как-то захватить внимание потенциального зрителя, затронуть человека, чтобы они сходил на мой фильм.

— Это ваша первая полнометражная работа. Тяжело было переключаться на новый формат?

— Вовсе нет. Я снял много короткометражных фильмов, переход к полному метру дался легко.

— Недавно Хаяо Миядзаки объявил, что перестает заниматься полнометражной анимацией. Как вы отнеслись к этому известию? Есть ощущение, что сейчас на рынке может приоткрывается ниша, ранее занятая студией Ghibli?

— [Миядзаки] не уходит, он просто чуть отступает в сторону. Уверен, он продолжит трудиться на анимационной почве. Очень жду его следующих работ. Будучи аниматором, о нишах я не задумываюсь — просто хочу снимать фильмы, которые люди бы смотрели. [О нишах] пусть беспокоятся продюсеры.

— Прежде вы большую часть работы над фильмом выполняли самостоятельно: писали сценарий, занимались режиссурой анимации, озвучивали персонажей, монтировали результат. С ростом масштаба постановки пришлось ослабить контроль?

— Ага, раньше я многое делал сам, теперь чуть больше людей помогали. Как-то, знаете, обошлось без неприятностей — у нас подобралась отличная команда. Работали бок о бок, я в любой момент мог оглядеться и увидеть, чем заняты люди вокруг.

— Планируете снять еще один фильм о мире, где происходит действие «Патэмы»?

— Может быть, вернусь к нему, но не сразу. Пока [в этом сеттинге] я реализовал всё, что хотел, и не так-то легко будет сделать в его рамках еще что-то стоящее. Но я уже занимаюсь следующим проектом, который в корне отличается от «Патэмы». А идей у меня еще много — прямо сейчас в голове не меньше десяти! ■

Интервью: Кристофер О’Кифф. Опубликовано с разрешения журнала Tokyo Weekender. Иллюстрации: © Yasuhiro YOSHIURA/Sakasama Film Committee
Ранее Ctrl + ↓